Искусственный стиль, Барокко
Барокко, часто считается периодом артистического стиля, который использовал преувеличенное движение и ясный, легко интерпретируемая деталь, чтобы произвести драму, напряженность, изобилие и великолепие в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танце и музыке. Стиль начался приблизительно в 1600 в Риме, Италии и распространился в большую часть Европы.
Популярность и успех Стиля барокко были поощрены Католической церковью, которая решила во время Совета Трента, в ответ на протестантское Преобразование, что искусства должны сообщить религиозные темы в прямом и эмоциональном участии. Аристократия также видела драматический стиль барочной архитектуры и искусства как средство произведения впечатление на посетителей и выражения триумфа, власти и контроля. Барочные дворцы построены вокруг входа судов, великих лестниц и комнат приема последовательно увеличивающегося богатства. Однако у ‘барокко’ есть резонанс и применение, которые простираются вне простого сокращения, чтобы или разработать или период.
Этимология
Барокко слова получено из португальского слова «barroco», испанского «barroco» или французского языка «барокко», все из которых относятся к «грубому или несовершенному жемчугу», хотя, вошло ли это в те языки через латинский, арабский язык, или некоторый другой источник сомнителен. Британская энциклопедия Encyclopædia 1911 года 11-й выпуск думал, что термин был получен из испанского barrueco, большого, нерегулярно сформированного жемчуга, и что это было какое-то время ограничено ремеслом ювелира. Другие получают его из мнемонического термина «Baroco», предположительно, тяжелая форма силлогизма в логическом Scholastica. Латинский корень может быть найден в еще-раз-roca.
В неофициальном использовании барокко слова может просто означать, что что-то «тщательно продумано», со многими деталями, независимо от Стилей барокко 17-х и 18-х веков.
Слово «Барокко», как большинство периодических или стилистических обозначений, было изобретено более поздними критиками, а не практиками искусств в 17-х и ранних 18-х веках. Это — французская транслитерация португальской фразы «pérola barroca», что означает «нерегулярный жемчуг», и естественный жемчуг, который отклоняется от обычных, регулярных форм, таким образом, у них нет оси вращения, известен как «барочный жемчуг».
Термин «Барокко» был первоначально использован в уничижительном смысле, чтобы подчеркнуть излишки его акцента. В частности термин был использован, чтобы описать его эксцентричную избыточность и шумное изобилие деталей, которые резко противопоставили ясную и трезвую рациональность Ренессанса. Хотя долго считалось, что слово как критический термин было сначала применено к архитектуре, фактически это появляется ранее в отношении музыки, в анонимном, сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 Ипполита Жан-Филиппа Рамо и Ариси, напечатанного в Mercure de France в мае 1734. Критик подразумевал, что новинка в этой опере была «du barocque», жалуясь, что музыка испытала недостаток в последовательной мелодии, была щедра с разногласиями, постоянно изменяла ключ и метр, и быстро пробегала каждое композиционное устройство.
Современный вкус и использование
Слово было сначала реабилитировано историком искусства швейцарского происхождения, Генрихом Велффлином (1864–1945) в его Ренессанс und Barock (1888); Велффлин идентифицировал Барокко как «движение, импортированное в массу», искусство, прямо противоположное к ренессансному искусству. Он не делал различия между Манерностью и Барокко, которое делают современные писатели, и он проигнорировал более позднюю фазу, академическое Барокко, которое продлилось в 18-й век. Лонг презирал, барочное искусство и архитектура стали модными между этими двумя мировыми войнами и в основном остались в критической пользе. Например, часто чрезвычайная архитектура Барокко сицилийца сегодня признана в основном из-за работы сэра Сэчеверола Ситвелла, чье южное барочное Искусство 1924 было первой книгой, которая будет ценить стиль, сопровождаемый большим количеством научной работы Энтони Бланта. В живописи постепенного повышения популярного уважения Караваджо был лучший барометр вкуса.
В истории искусств это стало распространено, чтобы признать «барочные» стилистические фазы, характеризуемые энергичным движением и показом, в более раннем искусстве, так, чтобы сэр Джон Боардмен описал древнюю скульптуру Laocoön и His Sons как «один из самых прекрасных примеров Эллинистического барокко», и более поздняя фаза скульптуры Имперяла Романа также часто называется барочным. Уильям Уотсон описывает последнюю фазу китайца династии Шан ритуальные изделия из бронзы 11-го века до н.э как «барокко».
Термин «Барокко» может все еще быть использован, обычно уничижительно, описав произведения искусства, ремесло, или проектировать, у которых, как думают, есть чрезмерное украшение или сложность линии.
Развитие
Барокко произошло приблизительно в 1600, спустя несколько десятилетий после Совета Трента (1545–63), которым Римско-католическая церковь ответила на многие вопросы внутренней реформы, обратился к представительным искусствам, требуя, чтобы картины и скульптуры в церковных контекстах говорили с неграмотным, а не с хорошо осведомленным. Этот поворот к популистской концепции функции духовного искусства замечен многими историками искусства как улучшение инноваций Караваджо и братьев Агостино и Аннибале Карраччи, все из кого работали (и конкурировали за комиссии) в Риме приблизительно в 1600.
Обращение Стиля барокко, превращенного сознательно из остроумных, интеллектуальных качеств искусства Маньериста 16-го века к интуитивному обращению, нацелилось на чувства. Это использовало иконографию, которая была прямой, простой, очевидной, и театральной (иллюстрация, право). Барочное искусство привлекло определенные широкие и героические тенденции в Аннибале Карраччи и его кругу, и нашло вдохновение в других художниках как Корреджио и Караваджо и Федерико Бароччи (иллюстрация, право), в наше время иногда называемый ‘первичным Барокко’. Зародышевые идеи Барокко могут также быть найдены в работе Микеланджело. Некоторые общие параллели в музыке делают выражение «Барочной музыкой» полезный: там противопоставляют длины фразы, гармония и контрапункт выгнали полифонию, и оркестровый цвет делает более сильное появление. Еще более обобщенные параллели, воспринятые некоторыми экспертами в философии, стиле прозы и поэзии, более трудно точно определить.
Хотя Барокко было заменено во многих центрах стилем Рококо, начинающимся во Франции в конце 1720-х, специально для интерьеров, картин и декоративных искусств, Стиль барокко продолжал использоваться в архитектуре до появления Неоклассицизма в более позднем 18-м веке. Посмотрите Неаполитанский дворец Казерты, барочный дворец (хотя в целомудренной внешности), чье строительство началось в 1752.
В картинах жесты Барокко более широки, чем жесты Маньериста: менее неоднозначный, менее тайный и таинственный, больше как жесты стадии оперы, главной барочной формы искусства. Барочные позы зависят от contrapposto («баланс»), напряженность в пределах чисел, которые перемещают самолеты плеч и бедер в противонаправлениях. Посмотрите Давида Бернини. Сушилка, менее существенная и coloristic, наказала более поздние стадии Барокко 18-го века, архитектурный стиль часто замечается как отдельное Последнее барочное проявление, например в зданиях Клодом Перро. Академические особенности в неоотносящемся к Афине Палладе стиле, воплощенном Уильямом Кентом, являются параллельным развитием в Великобритании и британских колониях: в интерьерах дизайн мебели Кента ярко под влиянием барочной мебели Рима и Генуи, иерархические архитектурные скульптурные элементы, предназначенные, чтобы никогда не быть перемещенными от их положений, закончили стенное художественное оформление. Барокко — стиль единства, наложенного на богатую, тяжелую деталь.
Барокко было определено Генрихом Велффлином как возраст, где овал заменил круг в качестве центра состава, та централизация заменила баланс, и что coloristic и «живописные» эффекты начали становиться более видными. Историки искусства, часто протестантские, традиционно подчеркнули, что Стиль барокко развился в течение времени, в которое Римско-католическая церковь должна была реагировать против многих революционных культурных движений, которые произвели новую науку и новые формы религии — Преобразование. Было сказано, что монументальное Барокко — стиль, который мог дать Папство, как светские абсолютные монархии, формальный, внушительный способ выражения, которое могло восстановить его престиж при становлении так или иначе символическим относительно контрреформации.
Или дело обстоит так или нет, это было успешно развито в Риме, где барочная архитектура широко возобновила центральные районы с, возможно, самым важным урбанистическим пересмотром.
Периоды
Барочная эра иногда делится примерно на три фазы для удобства:
Раннее Барокко, c.1590–c.1625
Высокое Барокко, c.1625–c.1660
Последнее Барокко, c.1660–c.1725
Последнее Барокко также иногда используется синонимично с последующим движением Рококо.
Живопись
Заявление определения того, что Барокко показывает в живописи, предоставлено серией картин, выполненных Питером Полом Рубенсом за Мари де Медичи в Люксембургском Дворце в Париже (теперь в Лувре), в котором католический живописец удовлетворил католического покровителя: концепции барочной эры монархии, иконографии, обработки краски, и составов, а также описания пространства и движения.
Стиль барокко, показываемый «, преувеличил освещение, интенсивные эмоции, выпуск от сдержанности, и даже своего рода артистическую сенсационность». Барочное искусство действительно не изображало образ жизни людей в то время; однако, «близко связанный с контрреформацией, этот стиль мелодраматически вновь подтвердил эмоциональные глубины католической веры и прославил и церковь и монархию» их власти и влияния.
Были очень разнообразные берега итальянской живописи барокко от Караваджо в Кортону; оба приближающихся эмоциональных динамизма с различными стилями.
Другая часто цитируемая работа барочного искусства — Святая Бернини Тереза в Экстазе для часовни Cornaro в Святой Марии делла Виттории, которая объединяет архитектуру, скульптуру и театр в одно великое тщеславие.
Более поздний Стиль барокко постепенно уступал более декоративному Рококо.
Довольно различное искусство развилось из северных реалистических традиций в голландской живописи Золотого Века 17-го века, у которой было очень мало религиозного искусства и мало живописи истории, вместо этого играя ключевую роль в развитии светских жанров, таких как натюрморт, жанровые работы повседневных сцен и пейзажная живопись. В то время как барочная природа искусства Рембрандта ясна, этикетка менее часто используется для Вермеера и многих других голландских художников. Фламандское Барокко живопись разделило часть в этой тенденции, также продолжая производить традиционные категории.
Похожим способом французский классический стиль живописи иллюстрируемого Пуссеном часто классифицируется как Барокко и действительно разделяет много качеств итальянской живописи того же самого периода, хотя равновесие и сдержанность, полученная из следующих классических идей, как правило, дают ему совсем другое полное настроение.
Скульптура
В барочной скульптуре группы чисел приняли новую важность и было динамическое движение и энергия человеческих форм — они росли вокруг пустого центрального вихря или достигли за пределы в окружающее пространство. Впервые, у барочной скульптуры часто были многократные идеальные углы обзора. Скульптура Барокко особенности добавила, что дополнительно-скульптурные элементы, например, скрыли освещение или водные фонтаны. Aleijadinho в Бразилии был также одним из великих имен барочной скульптуры, и его основная работа — набор статуй Сантуарио де Бома Иисуса де Матосиноса в Congonhas. Скульптуры мыльного камня пророков Ветхого Завета вокруг террасы рассматривают среди его самой прекрасной работы.
Архитектура, скульптура и фонтаны Бернини (1598–1680) дают высоко заряженные особенности Стиля барокко. Бернини был, несомненно, самым важным скульптором периода Барокко. Он приблизился к Микеланджело в своем omnicompetence: ваяемый Бернини, работал архитектором, нарисованным, написал игры и организовал очки. В конце 20-го века Бернини был больше всего оценен за его скульптуру, и для его виртуозности в вырезании мрамора и для его способности создать числа, которые объединяют медосмотр и духовное. Он был также прекрасным скульптором портретов кризиса в высоком требовании среди сильного.
Часовня Бернини Cornaro
Хороший пример барочной работы Бернини — его Св. Тереза в Экстазе (1645–52), созданный для Часовни Cornaro церкви Санта-Марии делла Виттория, Рим. Бернини проектировал всю часовню, вспомогательное пространство вдоль стороны церкви, для семьи Cornaro.
Святая Тереза, фокус часовни, является мягкой белой мраморной статуей, окруженной многоцветным мраморным архитектурным созданием. Эта структура скрывает окно, которое освещает статую сверху. Группы иллюстрации семьи Cornaro, ваяемой в мелком облегчении, населяют оперные коробки на двух стенах стороны часовни. Урегулирование размещает зрителя как зрителя перед статуей с семьей Cornaro, высовывающейся из их мест в ложе и вытягивающего шею форварда, чтобы видеть мистический экстаз святого.
Св. Тереза высоко идеализирована и в воображаемом урегулировании. Она была популярной святой католического Преобразования. Она написала своих мистических событий для аудитории монахинь ее кармелитского Заказа; эти письма стали популярным чтением среди непрофессионалов, заинтересованных духовностью. В ее письмах она описала любовь к Богу как проникновение в ее сердце как горящая стрела. Бернини осуществляет это, размещая Св. Терезу в облако, в то время как фигура Купидона считает золотую стрелу сделанной из металла и улыбается ей. Ангельское число не готовится погружать стрелу в ее сердце — скорее он забрал его. Облик Св. Терезы отражает не ожидание экстаза, но ее текущее выполнение. Эту работу широко считают шедевром Барокко, хотя соединение религиозных и эротических образов (верный собственному письменному счету Св. Терезы) может поднять современные брови. Однако Бернини был набожным католиком и не пытался высмеять опыт целомудренной монахини. Скорее он стремился изображать религиозный опыт как сильно физический. Тереза описала свою физическую реакцию на духовное просвещение на языке экстаза, используемого многими мистиками, и описание Бернини серьезное.
Семья Cornaro продвигает себя осторожно в этой часовне; они представлены визуально, но размещены в стороны часовни, свидетельствуя событие с балконов. Как в оперном театре, у Cornaro есть привилегированное положение относительно зрителя, в их частной сдержанности, ближе святому; у зрителя, однако, есть лучший вид с фронта. Они прилагают свое имя к часовне, но Св. Тереза — центр. Это — частная часовня в том смысле, что никто не мог служить мессу на алтаре ниже статуи (в 17-м веке и вероятно через 19-е) без разрешения семьи, но единственной вещью, которая делит зрителя от изображения, является рельс алтаря. Зрелище функционирует и как демонстрацию мистики и как часть семейной гордости.
Архитектура
В барочной архитектуре новый акцент был сделан смелому сосредоточению, колоннадам, куполам, свет-и-оттенок (светотень), ‘живописные’ цветные эффекты и смелая игра объема и пустоты. В интерьерах барочное движение вокруг и через пустоту сообщило монументальным лестницам, у которых не было параллели в предыдущей архитектуре. Другими барочными инновациями в мирских интерьерах была государственная квартира, последовательность все более и более богатых интерьеров, которые достигли высшей точки в палате присутствия или комнате трона или государственной спальне. Последовательность монументальной лестницы, сопровождаемой государственной квартирой, была скопирована в меньшем масштабе везде в аристократическом жилье любых претензий.
Барочная архитектура была поднята с энтузиазмом в центральной Германии (см., например, Ludwigsburg Palace и Zwinger, Дрезден), Австрия и Россия (см., например, Петергоф). В Англии кульминация барочной архитектуры была воплощена в работе сэром Кристофером Реном, сэром Джоном Вэнбру и Николасом Хоксмуром, от приблизительно 1660 к приблизительно 1725. Много примеров барочной архитектуры и градостроительства найдены в других европейских городах, и в Латинской Америке. Градостроительство этого периода показало исходящие проспекты, пересекающиеся в квадратах, которые взяли реплики из барочных планов сада. В Сицилии Барокко развило новые формы и темы как в Ното, Рагузе и Ачиреале «Базилика ди Сан Себастиано».
Другой пример барочной архитектуры — Собор Морелии, Michoacán в Мексике. Построенный в 17-м веке Винченцо Баррокио, это — один из многих барочных соборов в Мексике. Барочные церкви также замечены на Филиппинах, которые были построены во время испанского периода.
Фрэнсис Чинг описал барочную архитектуру как «стиль архитектуры, происходящей в Италии в начале 17-го века и по-разному распространенный в Европе и Новом Мире в течение полутора веков, характеризуемых бесплатным и скульптурным использованием классических заказов и украшения, динамической оппозиции и глубокого проникновения мест и драматического совместного воздействия архитектуры, скульптуры, живописи и декоративных искусств».
Театр
В театре тщательно продуманные тщеславия, разнообразие поворотов заговора и множества особенности ситуаций Манерности (трагедии Шекспира, например) были заменены оперой, которая соединила все искусства в объединенное целое.
Театр развился в барочную эру и стал мультимедийным опытом, начинающимся с фактического архитектурного пространства. Фактически, большая часть технологии, используемой в текущем Бродвее или коммерческих игр, была изобретена и развилась в течение этой эры. Стадия могла измениться от романтичного сада до интерьера дворца за несколько секунд. Все пространство стало обрамленной отобранной областью, которая только позволяет пользователям видеть определенное действие, скрывая все оборудование и технологию – главным образом веревки и шкивы.
Эта технология затронула содержание рассказанных или выполненных частей, практикуя в своих лучших проявлениях решение Бога из машины. Богам наконец удалось снижаться – буквально – от небес и спасать героя в самых чрезвычайных и опасных, даже абсурдных ситуациях.
Термин Theatrum Mundi – мир — стадия – был также создан. Социальной и политической сферой в реальном мире управляют точно таким же образом, актер и машины представляют/ограничивают то, что представляется на стадии, скрывая выборочно все оборудование, которое заставляет действия произойти.
Фильмы Вэтель и Фаринелли дают хорошую идею стиля производства периода Барокко. Американский музыкант Уильям Кристи и Les Arts Florissants выполнили обширное исследование в области всей французской Оперы Барокко, выполнив части от Шарпантье и Люлли, среди других, которые чрезвычайно верны оригинальным созданиям 17-го века.
Музыка
Термин Барокко также использован, чтобы назвать стиль музыки составленным во время периода, который накладывается с тем из барочного искусства, но обычно охватывает немного более поздний период.
Это — все еще обсужденный вопрос как, до какой степени Барочная музыка делит эстетические принципы с визуальными и литературными искусствами периода Барокко. Довольно ясный, общий элемент — любовь к украшению, и, возможно, значительно, что роль украшения была значительно уменьшена и в музыке и в архитектуре, поскольку Барокко уступило Классическому периоду.
Применение термина «Барокко» к музыке является относительно недавним развитием, хотя было недавно указано, что первое использование слова «барокко» в критике любого из искусств, связанных с музыкой, в анонимном, сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 Ипполита Рамо и Ариси, напечатало в Mercure de France в мае 1734. Критик подразумевал, что новинка в этой опере была «du barocque», жалуясь, что музыка испытала недостаток в последовательной мелодии, была заполнена упорными разногласиями, постоянно изменяла ключ и метр, и быстро пробегала каждое композиционное устройство.
Однако, это было изолированной ссылкой, и последовательное использование было только начато в 1919, Куртом Саксом, и только в 1940, это сначала использовалось на английском языке (в статье, опубликованной Манфредом Букофзером).
Много музыкальных форм родились в ту эру, как концерт и симфония. Процветали формы, такие как соната, кантата и оратория. Кроме того, опера была подтверждена экспериментирования Флорентине Камераты, создателей monody, которые попытались воссоздать театральные искусства древних греков. Важная техника, используемая в барочной музыке, была использованием измельченного баса, повторной басовой партии. Плач Дидо Генри Перселлом — известный пример этой техники.
